Reviews by alejestru (david2)

(Respaldo de mi reseña/análisis que se ha hecho en formato de video para el canal Davidcartoons)

Yo no considero a los videojuegos un arte, y esto es, por varios motivos, no pienso elaborar en ellos aquí. Más, lo que sí puedo aceptar es que los videojuegos tienen un potencial artístico. The beginner’s guide es para mi, la muestra de ello. De cómo puedes explotar un medio para transmitir mensajes valiosos y reflexiones sumamente importantes. La premisa es simple, Davey Wreden, creador del juego, quiere mostrarte los juegos de su amigo Coda, y mientras tú los juegas, Davey te va narrando lo que él interpreta de ellos, pero mientras lo va narrando, va denotando sus propios problemas psicológicos. Los personajes de Davey y Coda son unos que jamás vemos en todo el juego y específicamente a Coda ni siquiera lo oímos hablar. Pero aun con esto, ambos personajes resultan psicológicamente complejos. Es mediante lo que Coda comunica a través de su supuesta obra y de lo que se dice sobre él, que podemos sacar muchas conclusiones sobre el personaje y que podemos hacer un contraste interesante entre él y Davey. Coda es una persona que, probablemente, intenta descifrar su propia mente, vemos cómo parece tener ansiedad, el cómo no es alguien honesto consigo mismo, el cómo ha perdido la inspiración, etcétera, etcétera, y que su modo de solucionar sus problemas es haciendo una especie de introspección, metiendo aspectos de su propia personalidad y conflicto en sus videojuegos. Más, que el hecho de que Davey asumiera aspectos de su personalidad y los pregonara a quiénes conoce, terminó siendo el nuevo conflicto de Coda. Primero cambiando sus juegos para aparentemente satisfacer a Davey y… después, dado que su obra ya no era con la intención que él buscaba, termina intentando dar un mensaje a Davey para que este deje de asumir cosas sobre él, deje sus juegos en paz y solucione aquellos problemas que le hacen asumir tanto sobre él. Por el otro lado, Davey, es una persona que, en contraste a Coda, no busca mejorarse a sí mismo, prefiere mejorar a los demás y prefiere mejorar a los demás, para tener aprobación de otros. Mientras que Coda acepta sus errores para mejorarlos en base a una introspección hecha con sus obras, Davey no los acepta y refleja sus errores y conflictos en otros. Así, podemos asumir exactamente los mismos problemas que llegó a tener Coda, en Davey. Ansiedad, deshonestidad, depresión, y demás. Lo que también trata un tema sumamente interesante sobre la percepción que el humano tiene del mundo.
Davey intenta descifrar la mente de Coda a través de su obra, pretende evidenciar sus problemas psicológicos y hasta termina intentando darle consejos a Coda para solucionar sus problemas mentales. El giro de la obra es que todos los problemas que Davey vio en Coda, eran sus propios problemas. Al final, Coda mismo lo dice, Davey estaba poniéndole faroles a sus juegos y dándole implicaciones que, ni siquiera tenían en un inicio. Davey veía como los juegos de Coda representaban el cómo este se ponía a si mismo en una prisión mental, cuándo, quizá, a Coda solo le gustaba hacer juegos de prisiones, y ya. Lo que termina siendo irónico es que, todas estas cosas que Davey veía en los juegos de Coda y recriminaba sobre su persona, terminaron siendo, características que él mismo tenía y que todo este tiempo, él sólo estaba reflejándose a sí mismo
Eso para un espectador de una obra plantea la reflexión de qué tanto de lo que percibes en esta te refleja a ti, más también puedes extrapolarlo a, bueno, todo. Qué tanto de lo que percibes en tu vida es un reflejo de ti. Existe esta teoría en psicología, efecto espejo, que nos dice que lo que vemos en otros son realmente aspectos de uno mismo. La reflexión que plantea Beginner’s guide es precisamente esta, Davey ve sus problemas en Coda y el espectador ve sus problemas en el juego también. ¿Qué tanto de lo que percibes es real? ¿qué tanto depende de tu perspectiva? al final el juego plantea estas dudas sumamente fuertes y hace un énfasis bastante grande en ellas desde el hecho de que la obra conecte tanto con el jugador.
La propia premisa lo pone a uno cuestionarse sobre la veracidad de lo que ve, si realmente existe Coda, si realmente el Davey mostrado es similar al de la vida real, si realmente su conflicto es real, si realmente lo que ves es otra fabricación más, propia de una ficción o alguna especie de manera de relatar algo que sí sucedió en la vida real. Ninguna de estas preguntas tienen respuesta clara, lo que hacen más potentes a las reflexiones. Beginner’s guide usa, tanto su premisa, como sus conceptos, como sus diálogos, como sus personajes, como incluso la historia detrás de la creación del juego, para hacerte cuestionar tu realidad. Si lo que ves es realmente como lo percibes, qué tanto reflejas de ti en lo que te rodea y qué deberías de hacer para encontrar la realidad.
Una interpretación bastante mala que he escuchado del juego y que es algo popular, es que la obra te está implicando que todo es subjetivo o algo así, pero no es verdad, porque la obra te está mostrando que Davey está cada vez más cerca de una verdad conforme va descubriendo que él se estaba reflejando en los juegos de Coda. Lo que esto implica, es que hay una verdad y que de hecho, hay un modo de alcanzarla. Beginner’s guide no te dice que todo es cuestión de perspectiva, te dice que la verdad puede ser alcanzada solamente si te conoces a ti mismo primero, puesto que al conocerte a ti mismo, puedes identificar qué tanto de lo que percibes es un reflejo de ti y qué tanto no. Davey descubre la realidad cuándo encuentra lo que es parte de sí mismo en lo que percibe… y por eso es… que este video es un Remake.
El video original de The beginner’s guide es de las cosas más irónicas que te puedes encontrar en internet, y no es precisamente una ironía graciosa. Ese análisis es casi como estar cayendo en la trampa del juego. El video se resumía en mi interpretación de muchas cosas mostradas, conectándolo con lo que creo según vivencias mías. Y ese era precisamente el problema. Todo el punto de Beginner’s guide es de hecho que te des cuenta de que haces eso. Que te des cuenta de que tú eres un DayoScript al consumir obras. Un sobrepensador en toda la regla. Pero no solo eso, si no también que tú eres un sobrepensador al conocer personas e interactuar con ellas. Que ves cosas falsas en aquello que percibes y que solo podrás ver la realidad cuando te des cuenta de ello y empieces a ver ese laberinto que es tu mente.
Aunque pensándolo bien… bueno, supongo que entiendo el por qué perdí el punto de la obra al inicio, esta está hecha para conectar contigo de modo personal, está repleta de simbolismos ambiguos para que interpretes tú y diálogos que puedes escoger dependiendo de tus preferencias. No es difícil que la obra acabe conectando con algo tuyo, porque muchas cosas están abiertas a poder interpretarlo bajo tus propias experiencias. Como la máquina, que dentro de la historia puede parecer una representación de la falta de inspiración de Coda, pero que puede ser interpretado del modo que quieras dentro de un conflicto relacionado con la pérdida de algo propio, como la felicidad, el ánimo o en general, la habilidad para hacer algo. ¿O qué hay de las lecciones sobre la perfección en el juego? todos estos niveles en donde se te presiona para hacer algo, lo que otros perciben como lo correcto. Esto puede ser una justificante de la mediocridad, bajo la premisa de que la perfección no existe y por ende, la mejoría es inútil, o, puede ser una manera de decirte los problemas que conllevan la obsesión con una meta. ¿o qué hay de… bueno el mensaje final? uno puede interpretar una tragedia sobre un roto, o puede ver una obra inspiracional sobre alguien que al final logra mejorar como persona. Sin embargo, a pesar de las interpretaciones que se le pueden dar a todo, el tema principal del juego, el de la percepción que tenemos de nuestra realidad, nos dice directamente que al final, en el juego sí hay bases, y que si nos enfocamos en solo conectar la obra con nuestra percepción de las cosas, perdemos el punto de toda la historia. Por ende, sí hay una verdad tras los temas y mensajes de Beginner’s guide, solo que es cuestión de no dejar que la verdad se empañe por las proyecciones de nuestra realidad y de nosotros que pongamos en la obra.
Y es que una vez que uno lo analiza fríamente, se da cuenta de que el juego reitera bastante sus mensajes, solo que muchos no los podrán captar. El juego en sí es una metáfora de problemas mentales, depresión, ansiedad, soledad, dependencia y demás. Esto debido a que Coda mete de su realidad para poder solucionarla. Lo que presenta el tema de la relación entre un autor y su obra. Y plantea la duda de si está bien o no utilizar una obra para solucionar los problemas mentales propios. Para Coda, es lo correcto, porque tratar con sus propios problemas mentales de este modo, es una manera de comprenderse a sí mismo y comprender lo que le rodea para así mejorar. En cambio, Davey, argumenta que Coda no debería de utilizar su obra para retratarse a él mismo, ya que necesitas de apoyo externo para ser mejor y no del apoyo de uno mismo. Esto plantea cierta reflexión. Si uno puede mejorar dándose respuestas a sus propias dudas, y si cada respuesta a tus dilemas tiene que ser respondida por otros o por ti. Coda intenta responderse todas sus dudas y Davey, por el contrario intenta encontrar respuestas en los demás. Más, al final, si bien Coda, si bien
intenta responderse a él mismo sus preguntas, tiene una base, a diferencia de lo que dice Davey, que Coda no tiene una base a sus ideas porque no conoce de visiones externas a la suya. Esto es falso porque toda la obra de Coda considera otros caminos, considera otras ideas y considera otras perspectivas. Al ver todo Beginner’s guide como una introspección, resulta ser que los personajes representan visiones del mundo, están aquellos con desesperación, alegría, soledad, depresión y aquellos que buscan desesperedamente salir de una situación, siendo contrastados con aquellos que no y en vez de buscar una mejoría, pretenden justificar su mediocridad solo disfrutando del momento. De esta manera, podemos concluir que Coda sí considera la visión de otros y que, por el contrario, Davey es el que no. Pero más allá de ello, podemos concluir que el mensaje es que sí debes buscar apoyo externo, pero que no por ello debes depender de él y que al final tu mismo debes de ser el que saque conclusiones de los puntos de vista que recibas de los demás.
Sin embargo, no considero a ninguno de los mensajes dichos anteriormente, como el punto principal de la obra. Lo que la gente más suele sacar son los temas sobre percepción y demás, y mientras que es un tema interesa interesante, lo que más rescato de la obra no es eso. Beginner’s guide es también sobre el propósito que le das a tu propia vida, tus metas y objetivos. Toda la obra, es sobre la búsqueda de un propósito. Hablamos con unas personas cuyo propósito es salir de un problema mental, otras cuyo propósito es ignorar el solucionar sus propios problemas, otros cuyo propósito es hallar significado en lo que les rodea, y finalmente una persona cuyo propósito es alcanzar la perfección. Pero todos fallan. Ninguno logra nada. El que quiere alcanzar la perfección, esconde sus inseguridades tras mentiras y falsas apariencias. El que busca un significado, busca un significado en algo que no lo tiene, una pintura ambigua y abstracta. El que busca salir de sus problemas no obtiene jamás la respuesta y no puede salir de donde está porque depende de las respuestas de otros y aquel cuyo propósito es ignorar un mayor propósito, bueno, vive en la mediocridad y jamás podrá avanzar en nada. Lo que es particularmente significativo es que… de toda esta gente, de todos aquellos que buscan desesperadamente alcanzar su objetivo, lograr su meta, el que al final logra alcanzarla, es alguien que ni siquiera sabía cómo escribir en todo el juego. Lo que podemos sacar de esto, son dos cosas, que esta persona logró superar sus metas porque se enfocó totalmente en ellas o… porque no estaba obsesionado con ellas. Solo avanzaba, apreciaba lo que le rodea y sin si quiera darse cuenta, ya, llegó a su destino. Y creo que esa es una gran lección.
El maestro que pretende enseñarte sobre cómo ser perfecto, te habla sobre cómo el camino a la perfección es el más corto, el más rápido, el más fácil y se muestran las consecuencias de este pensamiento cuando el jugador controla los diálogos del maestro. Es por querer ser perfecto ya, que finge una imagen de perfección en vez de trabajar por ello. Es la ruta más fácil, es la ruta más corta, fingir en vez de ser algo auténtico. Pero al final, la solución nunca es la más corta y de hecho, muchas veces, la conclusión o solución, ni siquiera es la que pensamos que podría ser. y a mi modo de ver, los juegos de prisiones representan esto. No parece haber salida, no parece haber solución, uno sencillamente está en prisión, pero por algún motivo que desconoces, resulta que lograrás salir de ahí, y que de hecho, lograrás salir, no del modo que se te dice, porque ni siquiera es aplicable. El prisionero, fuera de la prisión, le dice que la solución sencillamente llegará, que tiene que tomar un primer paso, ser honesto… y ya. Que la solución en algún momento llegará. Esto nos habla sobre cómo, lo que único que tienes que hacer para alcanzar una meta, es solo dar un primer paso. Es solo caminar en una mejor ruta, y ya. No desesperar por obtener el resultado pronto, fácil, ya, ser perfecto hoy, ser perfecto ahora. Porque la única manera de ser perfecto hoy, es encarcelándote en deshonestidad. Uno debe caminar, apreciar lo que le rodea y solo avanzar, tener una meta, sí, tener un propósito, pero no desesperar por no haber llegado a ese objetivo todavía. Disfrutar del viaje sencillamente. Y por ello la persona que logró pasar todo el juego de los mensajes, es aquel que no sabía cómo escribir. No tenía la necesidad de hacerlo, porque no tenía desesperación que expresar por llegar a la meta. Solo disfrutó del viaje, siguió un camino y cuando menos se dio cuenta, alcanzó lo que quería. Y es por eso, que el final, no es Davey Wreden superando sus temores, logrando ser una persona perfecta. No, al final del juego, Davey Wreden sigue estando roto, sigue siendo una persona con los mismos temores, ansiedades y dependencia por la validación externa. La única diferencia es que, dio un primer paso para avanzar en el camino. Y eso es muy significativo. Tener metas es importante… buscar cumplirlas es algo clave, pero… la única manera de hacerlo es avanzando, ¿y qué mejor que avanzar sin desesperación, en calma, apreciando lo que te rodea y sin esa obsesión por tener el resultado en la inmediatez? ahora, una interpretación mala que se podría hacer también es que la obra te motiva a ser libertino y no tener metas, lo cuál es falso porque de hecho, te muestra las consecuencias de no tener una meta. En un momento de aparente felicidad, el jugador está teniendo una rutina la cuál pareces disfrutar en el momento, pero al final, resulta que no es feliz porque… no hay un objetivo, la rutina es infinita y por ende… es vacía.
Pero Beginner’s guide no solo habla de todo lo que he dicho, también habla sobre el esfuerzo que uno debe emplear al avanzar en la vida, la visión que presenta el maestro de la perfección, es también absurda porque busca obtener la perfección sin esfuerzo, cosa que se ve que es imposible. Otro tema interesante que sacar, es sobre la honestidad y dejar las falsas apariencias.
Pero otro tema más importante es de la introspección. El mensaje final que Coda intenta dar a Davey es ese, el de que Davey, se conozca a si mismo. Y el tema de la percepción que el humano tiene de las cosas, es sencillamente un catalizador para hablar sobre esto. Si lo que percibes puede llegar a ser un espejo de ti mismo, debes de reflexionar sobre ello para conocerte. The beginner’s guide es al final una historia de autodescubrimiento, introspección y replantearte lo que haces con tu vida. Si tus metas son las adecuadas, si tu manera de llevarlas a cabo es la correcta, y si te conoces lo suficiente como para poder percibir la realidad que te rodea.

“Todo está claro, cuando se detiene y mira.”, eso dice el juego en el que uno camina retrocediendo, sin poder ver el futuro y solo viendo el pasado. Todo queda claro cuando uno se detiene y mira porque solo analizando tu pasado para dar el primer paso en el presente, podrás forjar tu futuro. Eso es lo que Davey hace, se da cuenta de sus actos del pasado, y al final, la catarsis es él dando un primer paso para el futuro. El analizar su pasado, como el cómo ha repercutido en su presente es básicamente una introspección, es entrar a la propia mente para observar en qué se ha convertido y qué necesita para ser mejor. A lo largo del juego, hay un patrón interesante y es que… Davey salta todos los laberintos de los juegos de Coda. Bajo el argumento de que son demasiado extensos, tediosos, y demás… En el final del juego, sin embargo, por primera vez pasamos un laberinto, de hecho, jugamos a un juego entero que es un laberinto. El laberinto es la mente, Davey evade su propia mente, y por ello el final del juego es finalmente adentrarse en ella. Después de eso, observas el laberinto, observas un gran camino laberíntico que parece interminable, ves la mente, ves que todo este tiempo la recorriste.

“El pasado está detrás de ella, pero el futuro no se podía ver”. Ver el laberinto, significa que el laberinto está en el pasado, emergemos de él porque finalmente lo hemos superado, Davey lo ha superado, ha recorrido su propia mente, descubriendo que reflejaba sus verdades en otros y ahora que se ha dado cuenta, el primer paso es solucionarlo, dejando así al pasado atrás.

“Pero si el futuro está detrás de ella, ¿cómo encontrará la fuerza para enfrentarse a él?” Los objetivos que nos marcamos no siempre se cumplen, no siempre podemos lograr lo que queremos y por ello… la única manera de encontrar fuerzas con ese futuro incierto, es dando un paso en el presente y apreciando aquello que está a tu alrededor.
Y volvemos a lo mismo “Todo está claro, cuando se detiene y mira.”. Todo está claro cuando desvelas la realidad, deteniéndote a un momento, para así darte cuenta, de qué has hecho con tu vida. Y así es, se debe voltear la vista atrás, tal como dice la canción al final, ese es, el mensaje de Beginner’s guide.

En conclusión, bueno, sí, sigo opinando lo mismo del juego, esta es una de las obras más brillantes que haya visto y su atención al detalle es impresionante.
Dejando de lado cuestiones sobre la trama, temas y mensajes, igual el juego funciona perfectamente desde un punto de vista más técnico. Los escenarios representan estados mentales y cada uno evoca algún elemento diferente, no es un juego que se muy bello, pero no es el punto, el punto de los escenario es evocar y evocan perfectamente lo que buscan, como dije, el juego también está repleto de metáforas y simbolismos a lo largo de este, lo que de los escenarios y niveles, unos aun más profundos de lo que son a simple vista, y como dije antes, también es cierto que muchas de estas metáforas, son lo suficientemente ambiguas como estar hechas para calzar con casi que el punto de vista que quieras, lo que le hace una obra aun más ingeniosa, puesto que dentro de esto, Beginner’s guide sigue teniendo un punto y mensaje final.
En general, la atmósfera es genial, desde la música, hasta los visuales, todo evoca algo, todo apoya los temas, todo apoya el mensaje y al final, todo tiene un auténtico propósito.
Por otra parte, Beginner’s guide también hace un uso magistral de sus mecánicas. Uno podría verlo en Youtube, como una película y hasta parecería que no te pierdes de mucho, pero sí lo haces. Porque el poder jugar a las obras de Coda, te da una cercanía a estos, lo que al final te hace poder conectar mejor con el juego. No es solamente que conectes con la posibilidad de exploración de los escenarios, si no también, que conectas con la posibilidad de adecuar los diálogos que das en las obras de Coda, con tal de que el juego adapte sus temas a unos relacionados con los problemas que tu tengas.

Beginner’s guide es una de estas maravillas que rara vez suceden en el arte. Es una de esas obras de las que puedes sacar y sacar contenido constantemente y replantearte todo su significado muchas veces, y bueno, de hecho aquí está la muestra, un video de 27 minutos descartado porque… al final, saqué más contenido de la obra y por ello mi visión de ella fue enriquecida. Pero lo que sigo compartiendo es mi conclusión, Beginner’s guide, por su final inspiracional, temas reflexivos, mensajes trascendentes, personajes complejos y aprovechamiento de su medio, es, un hito para el arte, es brillante, es… bueno, una obra maestra.

(Respaldo de mi reseña/análisis que se ha hecho en formato de video para el canal Davidcartoons)

El escultor es un cómic hecho en el año 2015 por Scott McCloud, que maneja la premisa de un hombre, David. El cuál, al fracasar en su vida como escultor, hace un trato con la muerte, que le permite prácticamente materializar su obra sin casi que ninguna complicación a cambio de su propia vida, siendo así, que le restan 200 días de vida para hacer lo que él se propone hacer con su obra.
Desde el vamos se vislumbran los temas, reflexiones y mensajes de la obra, temas como la muerte, el significado de la vida y el valor del arte son los más predominantes. La simple trama presenta ya la duda de si vale la pena sacrificar tanto por el arte, o en su defecto, cualquier meta que nos impongamos. Para David, la respuesta es clara, desde su niñez tuvo un propósito que alcanzar, crear arte y específicamente ser un escultor, para él no basta con tener una vida que se haya disfrutado, pues según él, sin haber materializado su arte primero, por más cosas satisfactorias que tuviera su vida, no tendría razón de ser. Esto, hasta el punto de sacrificar su propia vida con tal de traer sus esculturas al mundo, y David quiere crear este arte para así ser recordado, para que su obra sea inmortalizada y no caiga en el olvido. Así, El escultor nos presenta un muy interesante tema con este conflicto del protagonista, habla sobre la trascendencia de nuestros actos, sobre qué tan especiales somos, y plantea la duda de si todos podemos salir de la mediocridad. La obra es sumamente ingeniosa al entrelazar el tema de la muerte con el del arte, puesto que así nos presenta una óptica que considera al arte importante por ser trascendente, el razonamiento tras el trato que David tiene con la muerte es que, aun sin vida, su obra podrá trascender y por ende él podrá ser alguien sobresaliente en la historia de la humanidad y seguir viviendo en la memoria de aquellos que conocieron su arte. Pero la obra pone en duda ¿cuál es el impacto de ser recordado por otros, si al final, tras el pasar de los años, ese recuerdo no perdurará y todos seremos olvidados? Es un conflicto bastante existencial, a la que obra presenta distintas posibles respuestas, pero al final, me quedo con una más optimista. Quizá, al final, todos seremos olvidados, pero eso no quita que podamos darle valor al tiempo presente y que, aun que quizá tu o tus obras específicamente no sean recordadas en un futuro lejano, al menos las ideas que llegaste a transmitir con ellas, tendrán un impacto en el mundo.
Y es precisamente por ello que tenemos el final que tenemos en la obra. David, en su última plática con Harry, habla sobre cómo la vida gana por sobre la muerte, porque si bien todos dejamos de tener vida eventualmente, podemos ser recordados por otros y eso es lo que nos otorgará cierta inmortalidad. Pero al ver que la persona que más le podría recordar a David muere, decide crear su última escultura, con tal de ser recordado con un último mensaje al mundo.
Lo que me parece más significativo es que su obra final evoca sobre la belleza de vivir, cosa que hace un contraste con el resto de obras que hace David en la historia, obras que le hacen ser recordado, pero que no significan nada, y no significan nada porque no tienen algo que contar. David quiere ser recordado pero eso no tiene un valor cuándo lo que más importa de ser recordado, es solamente eso, sin tener una idea que valga la pena inmortalizar.
Volviendo al dilema inicial, ¿vale la pena tirar la vida para el arte? mi respuesta es no, porque el arte es un complemento a la vida, vale la pena hacer sacrificios por el arte, pero no hasta el punto de sacrificar toda tu vida por ello. David tiene una obra importante que inmortalizar cuando ya ha vivido una vida y el mensaje de esta escultura que crea es precisamente sobre el valor de vivir. Uno no puede ser un gran artista sin haber vivido la vida, porque si lo hace, entonces su obra está errada. Si el arte sirve para transmitir ideas para la vida, uno debe de vivir primero para tener ideas de valor que transmitir. David buscaba inmortalizar siempre, pero inmortalizar cosas que eran dispersas, que no parecían tener un significado real, motivo por el cuál otros rechazaban su arte y por el cuál su última obra fue la única que realmente tuvo significado. Como dije, el arte es un complemento a la vida, y por ello, al darse de cuenta de esto, David descubre que su trato con la muerte fue un error.
El escultor también habla sobre el valor de la conexión humana y por ello David encuentra un valor a la vida cuando está junto a Meg. Otro tema interesante del cómic es sobre lo que se percibe como real, siendo tratado a través de cierto debate que hay acerca de la objetividad del arte. Se hace este cuestionamiento de si lo que se transmite con el arte tiene o no auténtico valor, si al final la mayoría no comprenderán la idea que se intenta transmitir. Cosa con la que estoy muy de acuerdo. Se habla sobre cómo la gente le puede dar poder a ciertas ideas, volviéndolas verdades para ellos. El debate que hay, es si aun que nadie vea el valor en estas obras o si las ideas aceptadas sobre estas son totalmente erróneas, sigue habiendo una verdad o no. Con lo que me quedo es la conclusión que da David, aun que nadie sepa el valor de una obra artística, el valor seguirá estando ahí, puesto que son mentiras que no modificarán la realidad, si no que solo la empañaran, y al final, aun que la vasta mayoría crea una mentira, siempre habrá una verdad y si hay suerte, habrán personas que la conocerán.
Pero retrocedamos y volvamos a los temas principales de la obra. El motivo por el cuál David quería inmortalizar su obra aun sin tener algo de valor qué decir, es que quería diferenciarse del resto de las personas. Un conflicto básico, pero importante es que su nombre, David Smith se ha repetido muchas veces, hay muchos David Smith en el mundo e incluso hay un artista reconocido con su mismo nombre. El conflicto es sobre sobresalir entre todos los David Smith que hay, y yendo aun más allá, sobresalir entre todas las personas que hay, cosa que causa el conflicto antes mencionado sobre la trascendencia. ¿qué tan importante es sobresalir por sobre otros? ¿qué hace que unos sean merecedores de sobresalir y otros no? estas son las reflexiones que presentan este conflicto, y mientras que no es un tema muy explorado en la obra, el cómic sí lo trata de un modo bastante interesante. Básicamente habla del cómo todos queremos ser sobresalientes, pero no todos podemos serlo, o como se dice en el cómic, somos merecedores de serlo. Siendo que ser merecedor depende de nosotros y no todos se atreven a volverse merecedores. La obra te muestra el cómo mucha gente quería tener una profesión, pero la rechazaron y acabaron en la mediocridad, y es interesante cuando vemos cómo, si bien David acabo siendo una persona con cierta relevancia al final, realmente estaba destinado a lo mismo, y si nos fijamos detenidamente podemos sacar ciertas conclusiones tras el por qué al final, sí logró sobresalir. 1, porque hizo un gran sacrificio, y 2, porque obtuvo una mentalidad correcta. Uno debe de hacer grandes sacrificios para lograr sus metas, pero uno debe también tener una visión adecuada para ponerse metas de auténtico valor, y uno solo puede tener metas de auténtico valor si valora su vida, si vive su vida, porque así podrá conocer más del mundo para saber qué aportar a él. Esto nos devuelve al final del cómic, el único motivo por el cuál David logró hacer una obra de valor es porque vivió algo de su vida al fin, pero su decisión fue la incorrecta porque le impidió vivir más para dar más cosas de valor. Se como David, sacrifica cosas por tu objetivos, esfuérzate para lograrlos, pero no seas como David en su totalidad, porque no debes olvidar vivir la vida, ya que vivir, te impulsa en tus objetivos.
Pero espera un momento ¿uno no estaría viviendo al cumplir sus objetivos? sí, pero no necesariamente, uno puede estar muerto con vida y eso es lo que sucedía con David al inicio del cómic, él estaba muerto con vida porque no apreciaba su vida, estaba tan obsesionado con cumplir su meta de ser un gran escultor, que olvidaba apreciar a quienes estaban a su alrededor y al mismo tiempo, perdía oportunidades por ello. Harry dice que Meg sí vivió su vida a diferencia de David y de él, porque ella sí valoraba aquello que estaba a su alrededor y apreciaba la vida en cada momento. Como dice Harry al final, Meg sí vivió su vida porque comprendió que cada minuto es un océano, y que hay que bañarse en cada uno de ellos.
Dejando de lado los temas de la obra, El escultor también tiene unos buenos personajes, siendo los principales David y Meg. David es una persona algo melancólica, a la que cuesta interactuar con los demás, mientras que Meg es todo lo contrario, alegre y empatica, pero eso no hace que David carezca de puntos positivos y Meg de negativos, siendo así que David tiene un gran sentido del deber y es una persona muy honorable, mientras que Meg tiene ataques de depresión. Es esto lo que hace que la relación entre ambos personajes sea buena, al complementarse tan bien entre sus defectos y virtudes. Mientras al mismo tiempo, se transmite cierto realismo, al ver como la pareja pasa por varios conflictos totalmente comprensibles y el cómo logran salir adelante a pesar de todo. Pero estos personajes no solo se reducen a esto, puesto que tienen sus conflictos propios, David queriendo sobresalir y ser recordado y Meg no queriendo ser vista de modo frío como si fuera un objeto. También conocemos sus creencias, qué cree David sobre el arte, cuál es la perspectiva de Meg sobre la vida, conocemos sus temores y se hace una auténtica exploración en los personajes, dotándoles de un buen nivel de complejidad.
Cualquier otro personaje que no sean la pareja protagónica, no es la gran cosa, están ahí para complementarles, pero son funcionales para su propósito en la obra, como Harry siendo el mediador para el sacrificio que hace David u Ollie cataliza el debate sobre la subjetividad u objetividad del arte.
Por otro lado, la obra se ve muy bien, hay uno que otro dibujo deforme, pero ignorable, porque al final del día, es uno bastante competente en general, con personajes sumamente expresivos, un manejo del color bastante característico que, más allá de ser peculiar, acentúa ciertas matices para evocar emociones y por su puesto, un uso de las viñetas sumamente creativo. Aunque bueno, tampoco es como que no sea adaptable a otro medio, y de hecho, si bien utiliza muy bien los recursos propios del cómic, estos son 100% reemplazables y son más una traducción de recursos sonoros y visuales propios de el cine y la animación. Pero no quita la creatividad puesta en la obra para funcionar de un modo particular dentro de su propio medio.
Realmente, no puedo encontrar algún error real en el escultor, tiene buenos personajes, una muy buena exploración temática y excelentes recursos visuales, es realmente una de las mejores obras que he visto recientemente y ciertamente, logra hacer trascender reflexiones importantes y mensajes valiosos. Si no le doy una nota más alta, es sencillamente porque pudo haber profundizado en más temas, el escultor es excelente.

(Respaldo de mi reseña/análisis que se ha hecho en formato de video para el canal Davidcartoons)

Bojack Horseman es una muy mala serie. Lo que podría extrañar a muchos puesto que la obra sí tiene aspectos positivos y de hecho tiene una buena variedad de ellos.
Primero, para dejar el platillo fuerte hasta el final y para justificar el por qué lo negativo de Bojack Horseman vuelve a esta una mala serie, empecemos enlistando todo lo positivo que esta tiene.

LO BUENO DE BOJACK HORSEMAN
(Bojack muere) (Ah, no ni eso pasa)

Lo más notorio, claro está, son sus personajes y ciertamente puedo entender el cómo muchas escenas tienen un auténtico impacto, el cómo los conflictos tienen un auténtico impacto y el cómo todo lo que la obra busca transmitir se transmite muy apropiadamente con el uso de sus personajes. Y es que la mayor parte de cosas que la gente dice sobre ellos, es verdad. Son personajes multifacéticos, con conflictos humanos, en los cuáles se profundiza, lo que hace que al final, aun con tanta basura que muchos personajes hacen y lo negativas que son sus acciones, puedas empatizar con ellos porque todos y cada uno de sus actos son comprensibles. Más a parte, claro, tener su propia personalidad y hasta tener sus propios temas implícitos.
Bojack es el más negativo de todos, con hábitos auto-destructivos, depresión, autodesprecio, pero al mismo tiempo, con temores y deseos totalmente humanos, teme a la muerte, desea la felicidad, teme que sus actos no tengan trascendencia y siente un gran vacío en su interior. Siendo así el personaje que trata los temas de mayor peso en la obra, pero ya iremos a ello.
Diane es, Lisa Simpson COF COF, perdón, perdón, es… emmm… feminista… okey, bueno, es el personaje que más me disgusta, pero vale, no es malo en realidad. Esta es de hecho bastante interesante puesto que no parece tener tan malos hábitos de modo superficial, parece tener mayor autocontrol y podría hasta parecer la voz de la razón, pero en el fondo sigue siendo una persona totalmente rota, con también problemas de depresión y autodesprecio y una gran confusión en cuanto a su punto de vista de la realidad.
Princesa Carolyne tiene un conflicto distinto al de los personajes anteriores, ella tiene un conflicto relacionado a su trabajo, a querer ser incansable, hacer todo a la perfección, vivir para el trabajo y sus responsabilidades. Lo que crea su propio conflicto.
Mr Peanutbutter es este personaje que no tiene una perspectiva real sobre el mundo que le rodea pero es casi que totalmente alegre. El punto del personaje vendría con este dilema de… ¿bajo qué costo obtiene esa alegría? Es alegre, pero porque no sabe nada, y esto le cuesta bastante siempre, formando malos hábitos que le llevan a malos lugares por esta falta de perspectiva y si no le llevan a malos lugares, es porque otros toman sus responsabilidades. Podría sacar un buen mensaje de aquí, tipo… es mejor conocer una cruda realidad y ser feliz conociéndola, que ser feliz por ser un ignorante, pero en realidad es darle mucho crédito a la serie por lo que comentaré después, pero no nos adelantemos.
Todd es… bueno, casi lo mismo que Peanutbutter, en esencia trae el mismo dilema, aunque podríamos matizarlo con el hecho de que él está un poquito más consciente de lo que le rodea, aunque solo sea un poco.

La serie también logra retratar una buena crítica a la sociedad. Okey, tenemos cosas como el feminismo de Diane que realmente tiene hasta bases tramposas porque toda la sociedad mostrada es una hipérbole y se pretende enaltecer la ideología del feminismo en base a una representación hiperbólica de la realidad. Sin embargo, si bien es verdad, y es digno de reprochárselo a la serie, el punto principal que la serie que hace con esto no es realmente darte una perspectiva sobre el feminismo, más bien, lo que hace es hablar sobre cómo todo esto de las corporaciones y proyectos de grandes empresas banalizan al individuo. Siendo de hecho una conexión bastante buena con los temas filosóficos de la serie, puesto que muchos de estos están relacionados con problemas individuales, depresión, dependencia, ansiedad, etcétera. Por lo que realmente ponerse en la duda de dónde queda el individuo en todas estas grandes maquinaciones es el enfoque correcto.
También se podrían tachar de negativos los discursitos tirados a la cara sobre perspectivas de la sociedad, peeeero, la serie tampoco hace un énfasis en estos y la mayoría de veces, o son chistes o una manera de dotarles de creencias a los personajes, por lo que… sí, en general la serie hace una buena crítica social en la parte de crítica de social que enfatiza, he de remarcar. Porque sí, personalmente detesto esos discursitos tirados a la cara.

Algo que la serie hace particularmente bien es utilizar recursos creativos, tanto de estructuración narrativa, como también de elementos audiovisuales. Lo visual en Bojack Horseman no es una particularmente bueno, es funcional, pero ciertamente el dibujo es de lo más simplón, tanto en personajes como en fondos. Sin embargo, la serie se aprovecha de esto, para hacer resaltar momentos con estilos de dibujo diferentes, normalmente para enfatizar las emociones de algún personaje. Evocando así, perfectamente, sentimientos de ansiedad, desesperación, soledad, etcétera. A parte de, como dije, haber de vez en cuándo cambios de estructuración en los episodios, aprovechándose de esto para dar, por ejemplo, un episodio en el que se divide por puntos de el artículo de Diane la propia vida de Diane, o un episodio en donde no hay diálogo en lo absoluto, o un episodio en donde se hace giro en base a un supuesto vistazo que tenemos del futuro de los personajes, o un episodio que es un monólogo entero. No es como que esto no se haya hecho en animación y… de hecho de modos mucho mejores, pero es de apreciarse la experimentación que hay y como dije, la creatividad puesta en esta misma experimenración.

Un último punto positivo es el mensaje que Bojack Horseman daba inicialmente. Si la serie hubiera acabado en la segunda temporada, recibiríamos de hecho un mensaje positivo de carácter inspiracional, sobre cómo el camino de mejorarse a uno mismo no dará frutos instantáneamente, es un camino arduo, que se logra completar dando pequeños pasos en el presente, cuyos frutos solo veremos cuando repercutan en el futuro.
La segunda temporada de Bojack horseman termina con Bojack dando un primer paso y dándose cuenta de cómo, quizá en el presente no sea mejor, pero dando cada paso… logrará un mejor futuro.

Aaaah, te la creíste ¿una serie adulta con un mensaje auténticamente positivo? nah, ¿qué tal si hacemos que Bojack caiga de nuevo? pero mejor ¿qué tal si damos mensajes negativos en el proceso?

POR QUÉ (aun con lo que dije antes) BOJACK ES UNA MALA SERIE

Bojack Horseman era una serie con un mensaje claro si acababa en la segunda temporada, pero a partir de ahí, siguió y siguió, Bojack, como persona, decayó, y se levantó y decayó y se levantó y al final… emmm… tiene una crisis existencial nada más, y para esta anti-conclusión, la serie se gasta seis temporadas y casi ochenta capítulos. El argumento tras el por qué supuestamente es correcto que la serie vaya tanto en círculos tanto con el desarrollo de Bojack como con el de su mensaje, es que supuestamente así es la vida real, y… tienen un punto, pero no estoy de acuerdo.
Muchas cosas giran en torno a cómo los conflictos no se resuelven como en un episodio de televisión, es un proceso largo, lento y arduo y es en parte verdad, porque en la vida real uno no llegará a una realización de modo rápido, pero Bojack Horseman sí es un programa de televisión y por ello resulta sumamente monótono, repetitivo e innecesario que la serie se extienda tanto solo para dar una sensación de realismo que no aporta nada a nadie.
Qué bien si así es la vida real, qué bien si en la vida real tardo años en mejorar o lo que sea, pero para qué ver a unos personajes tardando una cantidad absurda de tiempo en concluir sus respectivos conflictos solo por dar una sensación de realismo que no aportará nada a mi persona. Algo realista no es igual a algo bueno, porque si ese fuera el caso ¿por qué no mejor grabo gente de la calle por ochenta horas y las divido en capítulos de veinte minutos?
Oh, esperen, eso es básicamente Bojack Horseman, gente divagando, que progresa, pero luego retrocede, y vuelve a progresar, y pasa de punto A a punto Y, a punto B a punto Z, solo para llegar a punto A otra vez.
Claro que un personaje no debería de resolver sus problemas de modo rápido y fácil, pero Bojack Horseman llega al innecesario punto de extender su serie a seis temporadas para ir en círculos y divagar en exactamente los mismos puntos.
Puntos que ni siquiera se encaminan a una verdadera conclusión. Bojack Horseman se la pasa tirando ideas existencialistas, sin responder absolutamente nada la mayoría de las veces, la felicidad es alcanzable, pero la felicidad no existe, pero la felicidad se obtiene cuando dejas todo atrás, pero de nuevo la felicidad no existe. ¿cuál es tu punto? ah, ya sé, no tienes punto. Esta serie es básicamente la representación de lo confundido que alguien que puede estar sin transmitir ideas de valor jamás. Entiendo que en el mundo todos tienen sus cosmovisiones, escucharás ideas de todas partes que difieren entre sí, y que eso es realista, pero no quita que uno pueda llegar a sus propias conclusiones sobre estos temas y de nuevo, que realista no es igual a bueno. Bojack Horseman durante la mayoría de su tiempo, pierde el punto de una obra artística con tal de ser “realista”, el punto de, bueno, tener un punto.
¿yo para qué quiero ver una obra que solo divaga, que jamás concluye nada, que jamás tiene un punto y que en vez de darme elementos para encaminarme a una conclusión, me da elementos para que sobrepiense nada más? Esta serie es como cualquier obra posmoderna, es como este inodoro, es como estas figuras sin propósito, y es cómo este plátano pegado en la pared que pregona ser arte. Y, realmente sin ánimos de ofender, es una serie hecha por y para pretenciosos.

Pero incluso en esas, dada la falta de una verdadera conclusión a sus temas, al final la obra se queda más con un aire negativo y a continuación les diré el por qué toda la basura inconexa que pregona la serie, son ideas auto destructivas.
Bojack Horseman te deja en claro que uno puede mejorarse a sí mismo, al menos puedo decir que eso sí es una idea positiva, el problema es de plano negar consecutivamente, el valor de mejorarse a uno mismo. Con lo que Bojack acaba es con pura crisis existencial y unos mensajes que implican que nada importa, que nada tiene valor y que nada nunca podrá tener un propósito.
Mejorarse a uno mismo bajo la óptica de esta serie es virtualmente inútil, porque todos moriremos, y porque posteriormente nadie será recordado. Y aun que lo fuéramos no habría importancia porque somos una mísera mancha diminuta en el universo. Todo lo que he dicho son verdades, todos moriremos, quizá en un futuro lejano no seamos recordados, considerando el tamaño del universo, somos diminutos, pero ninguna de estas verdades deben ser razones para dejar de ver valor en lo que hay nuestro alrededor.
Todos moriremos ¿y qué? estás vivo, con más razón debes apreciar tu vida y valorarla porque es limitada. Quizá en un futuro lejano no seamos recordados ¿y qué? nuestros actos tienen relevancia para un futuro no tan lejano y ese futuro no tan lejano sentara las bases para un futuro distante, del mismo modo que el presente es el resultado de acciones que se remontan a miles y miles de años atrás. Por ello, todo tiene importancia, impacto y trascendencia. Quizá seamos una mancha diminuta en el universo ¿y qué? ¿cuál es la importancia de eso? eso nunca quitará que puedes vivir con inspiración, eso nunca quitará que puedes vivir viendo valor a la vida y eso nunca quitará que lo que hacemos tiene importancia para el lugar en el que estamos.

Es importante hacerse preguntas existenciales, es importante cuestionarse si lo que hacemos tiene relevancia y cuál es el impacto real de nuestros actos. Es importante ver el posible vacío en nuestra existencia, el nihilismo es importante. Pero el nihilismo es importante para superarlo. Bojack Horseman solo es nihilista, todos aquellos que interpretan lo contrario, que la serie te motiva a interponerse ante aquello que es más desesperanzador en la vida, solo buscan la quinta pata al gato, porque la serie jamás te lo muestra en realidad. Solo te muestra desesperanza, nihilismo y por consecuencia, mensajes derrotistas.
Con lo que saco de Bojack Horseman jamás estaré motivado a hacer algo, al contrario, estaré motivado a no hacer nada. A mantenerme en completa inutilidad porque, según la perspectiva de esta serie, nada tiene valor.
y por ello, el único motivo por el cuál uno debería mejorarse a sí mismo en base a lo que esta obra presenta, es, por mero placer. Solo para tener sensaciones agradables, solo para no sentir feo, y ya. Puro hedonismo. No sería por respetar a los demás, porque el respeto no tendría valor, no sería por transmitir algo bello al mundo, porque la belleza no tiene valor, qué digo, ni existiría bajo la óptica nihilista de esta obra.
¿es esta la serie enriquecedora de la década? ¿la que todos alaban como obra maestra? porque tal como la veo, es más bien un justificante de pésimos hábitos y un pésimo punto de vista del mundo. Que con la idea de tratar de ser realista, se vuelve cada vez más negativa implicando que la realidad es inherentemente mala.

Bojack Horseman realmente se esfuerza por demostrar que no importa nada que hagamos. La serie parte de la filosofía de que el control de nuestras vidas es un mito, porque hay hechos que son inevitables y que por ello lo único que debemos hacer es… emmm… vivir en el presente, supongo. Sin pensar en el futuro, aun que eso traiga malas repercusiones, pero como el control de nuestras vidas es un mito pues… emm… supongo que eso se anula.
Estoy de acuerdo en que hay hechos de la vida que, es probable que inevitablemente sucedan y están fuera del control propio, como algún padecimiento de origen genético o… un desastre natural o… los actos de otra persona que nunca pensamos que nos afectarían directamente y bueno, claro, el clásico, la muerte. Pero, si bien es cierto que no podemos tener el control total de nuestras vidas, al menos si podemos tener un control parcial y pregonar lo contrario es sencillamente absurdo.
Claro que todos vamos a morir, claro que puedes morir de un modo repentino y totalmente inesperado, pero eso no quita que existen las probabilidades. Yo no tendré certeza de que al caminar por la acera no habrá un auto que me atropelle, pero es más probable que no suceda a si estuviera caminando directamente en la calle. Yo no tendré certeza de que no me va a pegar una enfermedad mortal por factores que estuvieron fuera de mi control, pero al menos puedo intentar llevar a una vida saludable para fomentar un buen futuro. Es lógica de parvulario. Por ello, el control de la vida propia no es un mito, el control total quizá sí lo sea, pero Bojack no matiza en absolutamente nada de esto y por ello, saca conclusiones tan negativas como que solo hay que vivir en el presente, si solo vives en el presente, tendrás un futuro de miseria por no pensar en las consecuencias de tus actos.

Pero yéndonos a otro punto ¿recuerdan lo que dije de que la serie pretende ser muy realista y tal? bueno, es irónico, cuando observas que la serie se pone muy simplista con el desarrollo de Bojack al final, haciendo ver aun más inútil toda la caminata en círculos que la serie hizo con su personaje.
Al final, Bojack es una mejor persona, y se vuelve una mejor persona solo porque fue a terapia ¿de verdad? esa es tu conclusión tan realista. No es como que la terapia no pueda ser ayuda, es más bien… que Bojack cambia solamente por ir a terapia y… ya. Deja sus malos hábitos solo porque fue a terapia. Con todo el énfasis que la serie hizo en la mentalidad, temores y conflictos de Bojack, la resolución se queda demasiado corta. Al final, Bojack no deja sus malos hábitos porque cambió su perspectiva del mundo o porque tuvo un gran aprendizaje. Simplemente va a terapia y mágicamente mejora, como si la terapia fuera la que determinara la mejoría. Puede ser un impulsor, pero no es la que determinará los resultados. Lo que determinará los resultados es el reenfoque que uno mismo hace de su propia vida y Bojack nunca lo hizo.

Y supongo, que por eso todo es tan miserable al final. Porque nadie cambia su perspectiva del mundo, porque nada es sobre desafiar las dificultades de la vida, interponerse ante los hechos y tratar de superarlos, todo es sobre hundirse en la miseria, hundirse en la negatividad y ya.
Para el final, ni la comedia es divertida, porque, quizá estaría bien por sí sola, supongo, pero el contexto es tan depresivo, todo es tan negativo que… ni hay motivo para reír con estos personajes.

Sinceramente Bojack Horseman me parece la representación ideal de todas las creencias, acciones y hábitos que pueden destruir al ser humano. Algunos son reprendidos, otros no, pero bajo la perspectiva inicial de que todo da igual, entonces podríamos justificar todos los actos puestos en la serie. La drogadicción, el alcoholismo, la promiscuidad, el hedonismo, el derrotismo, el nihilismo y cualquier basura que se me escape.
Y resulta que es la serie de la década, la serie más trascendental de la animación. Qué digo, hasta hay quiénes dicen que es de lo mejor que ha pasado, en general.

Aaaah, realmente no pienso cambiar la mentalidad de aquellos que creen que Bojack Horseman es valioso y transmite alguna cosa de valor, de algún modo.
Sencillamente, invito a las personas a reflexionar en base a los puntos que he dado y espero… que puedan ver valor a su propia vida.
Por mi parte, no estoy en contra de Bojack Horseman solo por ser contreras y ya… es que realmente, quisiera ver más perspectivas valiosas del mundo. No perspectivas fáciles de sacar solo pensando en lo negativo que… muy evidente es. Más bien, perspectivas que desafíen la negatividad, perspectivas para hacerte ver el valor del mundo, para desafiar al mundo, para desafiar la vida y para desafiarte a ti mismo. Perspectivas para ampliar tu panorama y no mantenerte encerrado en cómo vas a morir, o cómo lo que haces no tiene valor. No veo algo más valioso que vivir la vida viendo el valor de esta, y vivir la vida, repleto de inspiración.

(Respaldo de mi reseña/análisis que se ha hecho en formato de video para el canal Davidcartoons)

Earthbound es un videojuego RPG, que realmente es la segunda parte de una serie de videojuegos bajo el nombre de Mother, cuya primer parte no llegó a America y por ello Mother 2 fue tratado como la primer entrega.
Este por mucho tiempo fue mi videojuego preferido y esto debido a que aprovecha el medio interactivo, no solo para proveer entretenimiento, si no también para construir una historia y cierto mensaje. No es como que otros videojuegos no hayan hecho esto y de hecho de modos mucho mejores, pero Earthbound fue uno de los primeros y específicamente el primer juego de este tipo que probé. Motivo por el cual le tengo particular cariño a lo que este videojuego representa en general, tanto en su mundo, como en sus personajes, como en sus metáforas y simbolismos.
Pero quitando cuestiones personales, ciertamente es un videojuego bastante ingenioso que cuenta con una buena variedad de virtudes que son hasta cierto punto sobresalientes.
La mayor diferencia entre la saga de Mother y otros juegos RPG, es lo sumamente poco ortodoxo que es al presentar… bueno, absolutamente todo. No hablamos de una típica historia de un caballero que lucha contra los secuaces de un ente del mal. Hablamos de la historia sobre un niño que lucha contra basura ambigua y surrealista para luchar contra un ente ambiguo y surrealista con el uso de poderes ambiguos y surrealistas.
Earthbound también se caracteriza por tener una buena dosis de comedia absurda en absolutamente cada apartado, cosa que igualmente, se contrapone con el tono serio de muchos otros RPG. Pero lo más importante de todo esto, no es solo que fuera diferente, si no que con ello se forjo una personalidad propia, lo que hace tan especial a la franquicia de Mother e igualmente influyó a la creación de otros videojuegos RPG que se salen de la norma, como OFF u Ondertail.
Pero Earthbound sigue siendo el mejor tras todos estos años y aquí el por qué. Primero que nada, Earthbound cuenta con un mundo sumamente creativo e interesante. No es como que sea complejo y que su construcción sea de lo mejor, es simple, y debe de mantenerse simple, pues su foco acaba siendo en los pequeños detalles de este mundo. Lo que contribuye a la personalidad del juego, es también la personalidad de cada personaje que te encuentras. Cada uno tiene alguna particularidad que fácilmente le hace memorable, cosa que es importante pues al final el juego hace uso de esto, para tener cierto impacto emocional, pero ya iremos a ello. Hablamos de personajes que con pequeños diálogos te representan una idea muy concisa sobre ellos. El cómo uno es tímido, el cómo uno es inteligente, el cómo uno es alocado e impredecible, el cómo uno es alegre, etcétera. No con todos es así y a veces se limita a detalles todavía más simples, como el tipo de texto con el que se muestran sus diálogos o simplemente su diseño. Pero son estos pequeños detalles lo que contribuye a que el mundo se sienta vivo y resulte interesante hablar con todos los habitantes de cada pueblo. Esto sumado a diseños tan dispares entre locaciones, hacen que el mundo de Earthbound sea sumamente atractivo aun con lo simple que es. Esto sin contar el genial Soundtrack con el que cuenta el juego, el cuál ayuda a ambientar este mundo y lo hace todavía mejor.

Por otra parte, los protagonistas de Earthbound también se mantienen sumamente simples, Paula es amable, Jeff es tímido, Poo es serio, pero el que acaba resaltando es Ness, y es de hecho el personaje que trae las pretensiones más artísticas al juego. Pareciera el típico personaje protagónico vacío de videojuego para que el jugador se autoinserte, pero conforme más avanza la obra más se acaban mostrando distintos rasgos característicos interesantes. El jugador descubre que Ness extraña a su madre durante las batallas y que este tiene la responsabilidad de actuar como un niño grande según sus padres. Estos son pequeños detalles que anticipan el momento clave para el personaje, cuando Ness tiene que entrar a su propia mente. Es aquí, cuando descubrimos parte de los conflictos y temores del personaje de modo sutil, el cómo le sigue temiendo a los enemigos que ha enfrentado y el cómo hay una llamada “pesadilla” con la que él tiene que luchar. También está esta parte en la que Ness se encuentra con su yo del pasado, él aun más de pequeño, este le pregunta si quiere jugar con él, pero interpreta que Ness ya no puede jugar porque ahora es un niño grande. Okey, detengámonos aquí, porque para comprender un mensaje en Earthbound se tiene que sacar cierta interpretación de lo que se muestra. El hecho de que Ness tenga este rasgo de tener la responsabilidad de actuar como alguien mayor, es algo que está hecho a posta y que se relaciona con lo infantil que tiende a ser el juego. Verán, mi interpretación de Earthbound es que es una historia de maduración y una historia de maduración relacionada al hecho a dejar el pasado atrás y seguir adelante. Todo el juego tiene cosas sumamente absurdas, surrealistas e infantiles. Como si de hecho fuera, la imaginación de un niño, tiene mucho sentido viendo la edad de los personajes, pero aun más cuando vemos detalles como quién es el villano. No, no hablo de Giygas, de él hablaré más adelante, hablo de Pokey. Pokey es el vecino de Ness que le molesta constantemente. Al inicio, bueno, es normal, ahí anda molestando a Ness. Pero conforme más avanza el juego, la cosa se vuelve cada vez más absurda. Pokey pasa de ser el niño molesto, a ser el niño molesto que está en absolutamente todos los lugares a los que va Ness y aun más que eso, termina al final siendo la mano derecha de la propia encarnación del mal. Este detalle me es difícil interpretarlo como algo que realmente sucede y ahí cuando viene el lado simbólico de Earthbound. No es tanto que Pokey realmente esté causando mal de modos tan exagerados y absurdos, si no que, gracias a la imaginación propia de un niño, Ness maximiza sus acciones mentalmente y las hace ver como si fueran más de lo que realmente son. Y bajo esa interpretación todo cobra un sentido diferente, ahora el mundo tan absurdo de Earthbound, pasa a tener otro significado. Ya no es una historia tan random e incoherente, si no que ahora pasa a ser la representación de la imaginación de unos infantes. Cosa que puedo reforzar más aún con Gyigas, el enemigo final. Si todo el juego es la maximización de cosas divertidas, molestas o extrañas, Gyigas es la representación mental de elementos atemorizantes. Pero para comprender el por qué es así, hay que irnos de hecho a la historia tras la creación de Gyigas. Shigesato Itoi, el creador del juego, se basó de la escena de una película que accidentalmente vio de niño, en la que una mujer era asesinada de un modo violento. Este impacto que le causó de niño, hizo que de hecho distorsionara la imagen de lo que realmente vio a algo todavía más escalofriante. Y para mi, eso es Giygas, la representación del mal encarnado, que sale a partir de cómo un niño distorsiona algo atemorizante y lo escala a algo mucho mayor.
En mi análisis original de Earthbound había sacado de estos hechos un mensaje sobre el valor de la óptica de un niño y su imaginación. Y mientras que no está mal y es una interpretación válida, con el tiempo fui sacando un mensaje de hecho contrario al anterior, pues entre más lo pienso, más escapista me parece aquel mensaje, y bueno, relacionándolo con más hechos del juego, mi nueva interpretación me parece más poderosa.
Ahora volvamos al personaje de Ness. ¿Recuerdan toda esta cuestión de que ahora Ness tiene la responsabilidad de actuar como un niño grande? okey, aquí va la cosa. La construcción de la trama de Earthbound está hecha en base al objetivo de derrotar ciertos jefes y enemigos de ocho santuarios, bajo el nombre de “tus santuarios”. Al acabar con cada jefe, grabas en la llamada “Sound stone”, piedra de sonido en español, una melodía. Y tras escuchar cada melodía, Ness recuerda algo de su infancia más temprana. Tras acabar con cada jefe y escuchar la melodía completa, es que Ness junta todos estos recuerdos para adentrarse a su propia mente, para así, poder enfrentarse a Gyigas. No solo esto conecta nuevamente con la interpretación de mucho de lo mostrado es mental, si no que todavía más, te da un mensaje muy concreto sobre afrontar el pasado para seguir adelante. Ness tiene que encontrarse con su yo del pasado y sus memorias pasadas para finalmente acabar con sus miedos y poder así ser finalmente, un niño grande.

Pero no es solamente sobre afrontar los miedos y el pasado, si no también sobre despedirse del pasado. Algo con lo que la mayoría concordarán es que Earthbound es nostálgico. Muy nostálgico. Da igual si lo terminaste hoy o hace veinte años, la obra siempre termina dando un aire de nostalgia. No solo porque puedas relacionar el juego con tu infancia o porque en sí trate sobre el pasado, si no también porque al final, el juego hace un énfasis muy grande en la despedida de la aventura y de los personajes que has encontrado en el camino. El juego remarca el tema del valor de la amistad y el de la gente que conoces a lo largo de tus vivencias, pero también el de saber dejar ir a estas personas y saber despedirse de ellas. Me agrada el como esto se conecta con la historia de maduración de Ness. Así, enfrentar termina cobrando otro significado, termina significando soltar aquello que ya no necesitas en el presente para así seguir adelante. Y por ello el final me parece aun más significativo, no, no hablo de la despedida, es muy buena por supuesto, pero me fijo más en el momento que le sigue. Tras los créditos, Ness se encuentra en su casa, llaman a la puerta, la abre y se encuentra con Pokey para molestarle otra vez. Pero ahora ya no hay alienígenas, ya no hay Gyigas, ya no hay poderes y te has despedido de lo que has visto en el juego. Como yo lo veo, Ness ahora ve el mundo tal como es, debido a que ya ha soltado una perspectiva idealizada de la realidad. Su vecino, ya no lo ve como la mano derecha de la encarnación del mal, ahora lo ve, como lo que es, solo un niño que es algo molesto.

Ahora, si se fijan todo lo que he dicho lo he matizado con que es una interpretación y verán, Earthbound no tiene un mensaje en concreto. Tiene un mensaje, pero más bien general. Lo que pasa es que muchas cosas son, simbólicas o a la libre interpretación. Pero en este caso en particular no me parece negativo o excesivamente ambiguo, pues al final el juego sí que tiene temas claros, como la infancia y el pasado. La cuestión que viene aquí más bien es… ¿qué sacas de la infancia y qué sacas del pasado? En general, lo tomo con un mensaje de soltar el pasado para ver el mundo deste una óptica distinta, pero del mismo modo que concreté que superar el pasado está relacionado con soltarlo, otros podrían concretar que superar podría estar relacionado con rememorarlo, organizarlo u olvidarlo. Al final, cada quién le da su propia matiz al mensaje general del juego y es un detalle que aquí en particular me agrada. No es un juego ambiguo, si no claro, pero está hecho de un modo tal que su mensaje pueda conectar de modo distinto para cada persona en particular. Y es por ello que hago un Remake de este video también, los temas de los que hablo son los mismos, pero no tienen la misma matiz y eso es porque del mismo modo que la manera en como sacaba un mensaje específico del juego hace un año conectaba conmigo, un año después ya no lo hace y saco otro mensaje específico. Y por ello, aprecio aun más Earthbound al ser un juego que podré revisitar en años venideros y quizá sacar algo nuevo en cada visita que le de.
Earthbound me encanta, por motivos personales y por méritos de la obra, pero he de admitir que no es perfecto y de hecho, ni siquiera creo que sea un buen videojuego per se. Hay que entender que fuera de su mundo, mensajes y personajes, el juego tiene grandes falencias. No solo en cuanto a mecánicas, que seguro son las más notorias, si no que también a nivel trama, y considerando lo poco que las personas suelen hablar de los aspectos negativos de Earthbound, me he de dar a la tarea de señalarlos.

Earthbound en sí no es divertido por sus mecánicas. Es divertido por sus personajes, mundo y demás. Pero en lo que concierne al juego a nivel mecánico, resulta incluso tedioso. Por un lado, aprecio el hecho de que Earthbound tenga un sistema de juego que se distancia de lo que es común en el RPG. De este modo, el juego permite que hayan combates más tensos e interesantes puesto que su sistema motiva a uno a actuar rápido ya que su conteo de vida baja en tiempo real. Y por otra parte, también es cierto que hay combates que se ganan, no con el uso de la fuerza, si no con el del ingenio, poniendo al jugador en la necesidad de pensar en alguna manera lógica de acabar con el villano. Sin embargo, esto se limita a suceder solo con enemigos especiales y en general, las batallas son monótonas, pues con enemigos comunes tienden a ser más bien batallas que rayan lo sistematizado. Uno deja de ver por estrategias y empieza a repetir las mismas fórmulas una y otra vez como si de algún algoritmo se tratase. Incluso el juego tiene su opción de automatizar los combates, lo que demuestra lo aburridas que son. Incluso en esas, no sería tan grave si no fuera porque encima, los combates meten largos textos con cada ataque que se efectúa, estos, en vez de resumir los ataques, se alargan, dando así un globo de diálogo por cada personaje que ataca y encima, un globo de diálogo para la acción de un ataque y otro para la reacción, haciendo a los combates unos excesivamente lentos con, literalmente, mucho texto.
Por otra parte, esto está relacionado a que el juego tiene la innecesaria manía de hacer que todo sea uno por vez. Se te dicen los efectos de tu ataque, personaje por personaje, compras objetos en la tienda, objeto por objeto, equipas en el inventario, personaje por personaje. No puedes comprar un monto de cosas para equipar un monto de cosas, todo es uno por vez y por ende todavía más lento y cansino.

Pero dejando de lado errores de mecánicas, el juego cuenta también con una variedad de errores de guión. La cosa es que Earthbound es un juego sumamente conveniente en muchos aspectos. A veces las conveniencias son un chiste, momentos en los que no hay gran problema pues tampoco son tan relevantes para empezar, pero una vez que el juego empieza a meter conveniencias para la progresión de su trama, esto se torna en un error. Primero, convenientemente los niños con los que Paula conecta pueden viajar fácilmente al lugar en el que te encuentras y convenientemente tienen la solución a tus problemas. Y segundo, convenientemente Ness obtiene el mensaje de ir a Saturn Valley justo en el instante en el que suceden cosas importantes ahí para ir a derrotar a Gyigas.

Es por estos fallos que Earthbound termina siendo un videojuego decente. Sin embargo, hay una razón por la cual decidí no poner un título tipo “Earthbound no es tan bueno cómo creen eh” y la cosa es que, aun sin ser un videojuego carente de falencias, es uno que puedo recomendar. Al final del día, sí que es un videojuego con grandes logros y del cual es notorio el esmero puesto y la inspiración que hubo tras su creación y es por todo esto que Earthbound sí me merece el reconocimiento que tiene y por mi parte, creo que el título de clásico es bastante digno para él. Igualmente, por lo que a mi concierne, es un juego que volveré a visitar de vez en cuando, pues sé que en él siempre habrá algo de valor que sacar.

(Respaldo de mi reseña/análisis que se ha hecho en formato de video para el canal Davidcartoons)

(1ᵃ y 2ᵃ edición)

Finalmente llegamos a Unthetered festival place, de sumo interés porque los guionistas parecen ser los más críticos de todos. ¿y bien? bueno, todavía está por verse, porque aun no se desarrolla casi nada. Lo mejor de Unthetered festival place es su premisa, un mundo de fantasía al que uno puede entrar y no sufrir en él. Pudiendo así tocar muy interesantes temas con la premisa, aunque la obra aun no los toca.
En cambio, esta ha estado usando su tiempo en presentar conceptos, mundo y personajes. Todo esto siendo tocado muy por encima. No refiriéndome a que no hay un tema complejo o conflicto psicológico, si no que, ni siquiera se ha mostrado gran caracterización ni motivaciones de los personajes aún. Me puedo dar una idea del modo de actuar de cada quién, pero aun no se define tan bien la motivación de los personajes más importantes, el protagonista y el antagonista. Siendo el protagonista el menos interesante para este punto, puesto que aun no tiene características muy bien definidas todavía.
Pero en eso se queda toda la historia, expectación y “veremos”.
Lo que sí es un error en Unthetered festival place es su apartado técnico, sobre todo en la dirección. En ambos capítulos de la obra, hay secuencias sumamente confusas, en la primera con una batalla, la cuál creo que ya muchos han criticado. Y en la segunda con una habilidad que usa el protagonista para mover un líquido y bueno, secuencia que tardé mucho en entender. Al menos en el segundo capítulo, no es tanto por una mala dirección, si no porque no se da mucho contexto de lo que pasa en primer lugar, al final asumí que el protagonista manipuló el líquido con las florecitas esas porque se estableció que podía manipular a los gigantes. Pero dios santo, sale una cantidad enorme de líquido de la nada, que trae confusión, no se ve al protagonista entrar al líquido, lo cuál parece una aparición repentina y al final ¿qué diablos es ese edificio? ¿por qué querían llegar ahí? espero no haberme perdido de un diálogo porque sí que resulta confusa esa escena.
Por esto, diré que Unthetered festival place es Decente. Habrá que esperar cómo se desarrolla la trama y que no hayan más escenas confusas.

(5ᵃ edición)

Como con demás cómics, la calidad ilustrativa ha mejorado exponencialmente. Pero ahora es mucho más notorio, pues si bien en el segundo capítulo la calidad ilustrativa ya era mejor, seguía teniendo ciertas fallas, fallas que, la verdad, me cuesta articularlas. Pero, ya no hay problema, el dibujo es muy bueno. Habrán viñetas que carecen de la profundidad de otras, lo que las hace ver extrañas a comparación, pero ya es algo menor. Si algo me agrada particularmente de el rumbo que está tomando Unthetered festival place es el enfocarse en un grupo de personajes en particular durante la mayoría del capítulo, pues así hay mayor chance de caracterizarlos mejor, y ciertamente, el cómic lo está haciendo. Yogusblad es más racional, Pheryn es emocional y Kondrel parece pasivo y poco decidido. Las personalidades de los personajes principales siguen estando un poco difusas, pero creo que sería cuestión de esperar otro capítulo enfocado en ellos. Así que sí, Unthetered festival place ha mejorado, pero sigue siendo decente, pues aun le falta desarrollo para subir en calidad, pero hey, va en buen camino.

(Respaldo de mi reseña/análisis que se ha hecho en formato de video para el canal Davidcartoons)

(2 y 3ᵃ edición)

Empezamos con… bueno, lo esperado, que mucho poder, que no se qué, El guero balazos, dejemos de un lado la broma del PODER y veámoslo de modo más crítico. El Guero Balazos es lo que era de esperarse, una comedia algo absurda con bromas relacionadas a México. La comedia funciona bastante bien, si bien he de admitir que Guero balazos no me pareció tan graciosa, sobre todo comparándola con las demás historias presentadas en estas ediciones, puedo decir que es funcional. La comedia es de carácter absurdo, y para una comedia absurda, es bastante ligera. Con ligera me refiero a que no llega a niveles de absurdo tan altos como para destruir la lógica, cosa que pasa con las otras historias de estas ediciones pero ya llegaremos a ello. En cuánto a tono, encuentro cierta reminiscencia a Las chicas superpoderosas. Hay comedia funcional, pero ligera, y es acompañada de escenas de acción y un enfoque mayor en la singularidad de los personajes. Así, la comedia suele venir de hechos relacionados a estos, como lo macho que es el guero, lo patán que es Capo o lo bella y seductora que es Catalina, lo cuál funciona bastante bien, y hace que sus características sean aprovechadas en la historia. La acción por otra parte, también está bien, aunque no es particularmente sobresaliente. Al igual que en las chicas superpoderosas se mantiene con un estilo simple, pero se comprende bien la acción y en general es llevadera. Y de vez en cuándo tenemos resoluciones creativas que aprovechan la condición de los villanos e inclusive aportan a la comedia. En cuánto a ilustración, está bastante funcional también, como dije es simple, pero calza perfectamente y aporta a la comedia en momentos clave con expresiones y movimientos más exagerados. En el primer capítulo podía tener la pequeña queja de que varios fondos eran demasiado simples, y quiero decir, no es un cómic que necesite de fondos complejos, puesto que el énfasis principal de estas viñetas deben de ser los personajes, pero a ratos los fondos sí parecían excesivamente planos, sin un solo detalle que les complementara, afortunadamente, esto es solucionado en el segundo capítulo y no solo eso, si no que incluso hay un mayor uso de las sombras, los personajes son más expresivos, hay mayor creatividad en la dirección y en general es un dibujo bastante competente. Así que sí, El guero balazos es PODEROSO y un buen cómic.

(5ᵃ edición)

Guero Balazos vuelve con otro capítulo PODEROSO. Bueno, primero lo primero, Guero balazos es el cómic que mejor luce en ilustración, pero no solo eso si no que las ilustraciones directamente son GENIALES, cielos, se ve muy profesional, está muy bien elaborado es poderosísimo. Por otra parte, en cuanto a guión sigue siendo muy genial. La obra sigue optando por dar resoluciones cómicas a sus peleas y la verdad que está bastante bien, al aprovechar la condición de los personajes y sus personalidades para ganar los combates y proveer comedia. En esta ocasión tenemos a RPM, un personaje de tres calacas con personalidades difusas pero que pueden asumirse, sobre todo con que uno es más tonto que los demás. Por otra parte, he de recalcar la buena referencia y crítica que hace este personaje a ciertos sectores de la comunidad, ¿y saben por qué es buena? porque es, sutil. Las bromas en relación a las actitudes de personas externas tienen ingenio porque contribuyen al personaje de RPM y al mismo tiempo, tiene una comedia construida en relación a la personalidad de este, muy genial. Y por ello Guero balazos sí que vale la pena y sigue siendo un buen cómic.

(Respaldo de mi reseña/análisis que se ha hecho en formato de video para el canal Davidcartoons)

(2ᵃ edición)

No hay mucho que decir sobre esta historieta. Es muy breve, tiene muy poco contenido, no hay personajes con características definidas y… ya. Es agradable, supongo, tiene una broma graciosa que no me esperaba… y… ammm… sí… como que no es el plato fuerte. Oh vaya, el creador dijo que es postre, supongo que tiene razón. Lo mejor de Fake magic thouhou ammm Unthetered, es su ilustración, quizá de las mejores en todo Nostrafort. Personajes expresivos, excelente dirección y dibujo bien hecho. Aunque el mejor en este apartado es Beeper por tener un estilo visual más único. Pero sí, es Decente, y probablemente se quede así. Quizá sea buena si los personajes tienen una personalidad. Pero eso se verá en próximas ediciones.

(5ᵃ edición)

Fake Mako Yoyo Amelia, está, bastante bien. Bueno, algo negativo que remarcar es que por alguna razón encuentro ahora varias anomalías en el dibujo del cómic, cosa que me parece rara porque Manganull tiende a dibujar muy bien. ¿Pero saben qué? error menor, porque en general la ilustración sigue siendo buena. A esto súmale que ahora el cómic tiene un conflicto, el cual no concluye de modo aleatorio repentinamente, que hay ahora una mínima sensación de peligro, que se están creando situaciones para propiciar interacciones entre personajes y que ahora sí se está elaborando más en lo que la obra ofrece. Así que sí, ha mejorado ¿y saben qué? es ahora un buen cómic. No hay mucho más que decir en realidad.

(Respaldo de mi reseña/análisis que se ha hecho en formato de video para el canal Davidcartoons)

(1ᵃ y 2ᵃ edición)

Y después viene Dedsecks, obra sumamente criticada por los motivos más ocurrentes posibles, que si el creador se autoinserta, que si es demasiado vulgar, que si no se puede tomar en serio, etcétera, etcétera. Dedsecks no es una mala historia, porque no se toma en serio, todo el chiste recae en que el mundo de Dedsecks en sumamente absurdo hasta el punto de lo ridículo. Lo divertido de Dedsecks no es lo vulgar, si no el absurdo de lo vulgar, lo cuál muchos no parecen entender. Pero, tampoco defenderé mucho a esta obra, porque tampoco me parece precisamente buena. El error con el guión de Dedsecks es uno del que me di cuenta apenas en la segunda edición y es que el único chiste de Dedsecks es su premisa, no hay nada más de comedia a parte de eso, o al menos no de momento, lo cuál es desmotivante. Puedo entender como el primer capítulo puede dar gracia, pero ya el segundo capítulo es más de lo mismo, cuando tu obra tiene una sola broma, y es solo su premisa, hay un problema. La trama no es interesante, porque es un chiste, los personajes son un chiste y lo único que nos queda es una premisa chistosa ejecutada solo para denotar lo chistoso de la premisa sin traer mayor comedia a la mesa. También es de notar que hay ciertos errores de dibujo, los cuales son casi inexistentes en el segundo capítulo, habiendo ahí una gran mejoría, aunque no dejen de haber viñetas un tanto problemáticas. En el primer capítulo está el mayor problema con el dibujo, con ciertas expresiones faciales, que podían ser graciosas, pero por lo descolocadas y mal dibujadas que estaban.
Lo mejor decisión con Dedsecks es la de que durará poco, y es apropiado puesto que ya desde el segundo capítulo, no tiene ya nada que ofrecer. Historia mediocre.

(5ᵃ edición)

Pero ahora llego el momento que todos estaban esperando, lo que les quita el sueño, les causa espasmos y la sensación de que les dará un paro cardíaco. Dedsecks, okey, bueno, sí, hubo polémica, supongo que habrá que hablar de la polémica. Polémica concerniente a esta viñeta de aquí. Mmm, sí, una viñeta de muy mal gusto si me lo preguntan. Vale que es la intención y que se entiende por el contexto del cómic, pero con contexto o no, sigue siendo de mal gusto. La cosa aquí es sobre preguntarse qué tan indispensable era esta viñeta para demostrar su punto, y la respuesta lógica es que era innecesaria. Esto hace que la viñeta me disguste y pueda aseverar que es de mal gusto, pero no es un error del cómic en ninguna circunstancia ¿saben por qué? porque para empezar no es taaaan de mal gusto, pues tampoco es la cosa más gráfica y desagradable, pero por otra parte y más importante porque es solo una viñeta ¿y quieren saber cuál es la cosa? que Dedsecks sigue siendo un mal cómic con esta viñeta o sin ella, y aquí el por qué.
La comedia sigue siendo repetitiva, siempre es el mismo tipo de comedia absurda, sin variación. No hay dinámicas graciosas entre personajes, no hay una construcción para los chistes, es solo comedia absurda espontánea que siempre se basa en que el mundo en el que están es degenerado y… está del nabo supongo. La acción está de la patada, porque no hay acción para empezar. Por alguna razón siempre que aparece un villano a intentar derrotar a Dedsecks la solución es anticlimática y espontánea. Jamás verás combates de ingenio a lo Stardust crusaders, ni nunca verás batallas bombásticas a lo Gurren Lagann, siempre son peleas simplonas que giran más en torno a diálogos vacuos que deberían ahorrarse para momento más calmados fuera de combate, pues le quitan la parte de combate a los… bueno, combates, los cuales son importantes que estén porque se establecen las habilidades del oponente, si las habilidades se establecen, es para que se utilicen, si no hay pelea entonces las primeras viñetas del cómic son virtualmente inútiles. Los personajes son vacíos, no es sorpresa para nadie y no es novedad. Dedsecks ha perdido su personalidad porque razones, pero me dan igual las razones si al final solo es excusa para el personaje siga siendo vacío, y los demás, bueno, nada. La calidad ilustrativa, si bien no está mal, está lejos de ser buena. Entre más me fijo, más anomalías noto y es raro porque en el segundo capítulo no note tantas como ahora. ¿Pero quieren saber lo peor? nada de esto es lo peor de Dedsecks, lo peor es su triste crítica social. Estoy de acuerdo, la cultura de la cancelación es ridícula, vivimos en un mundo repleto de degeneración, el progresismo está del nabo, sí, sí, okey. Pero cielos, ¿podrías ser, no sé, sutil con tu crítica? todo es excesivamente directo y no hay verdadera comedia de por medio más allá de la comedia absurda que ya mencioné, que no funciona por ya estar muy gastada. Por lo que, con lo único que me quedo, son críticas con 0 ingenio y 0 comedia. Todo esto es particularmente notorio cuando ves la calidad que ha alcanzado esta edición y se ve el contraste tan grande entre un cómic como este y los demás. Por mi parte, no creo que sea buena idea que esta historia siga en Nostrafort y con el autor que tiene, creo que sería bueno que retome un mejor concepto como el de Alienosis, que me gustaría verlo desarrollado más que esto. En conclusión, Dedsecks ha cambiado, para peor y ahora es un muy mal cómic y las críticas que la gente hace, la verdad, están bien justificadas ahora. Pero lo que sí he de decir es que gracias al cielo es lo más negativo que verán de la edición de aquí en adelante.